[ Art Plus專欄 ]2015/04 Pierre Boulez  

Pierre Boulez(1925-)

想要認識當代音樂，不能不認識布列茲的音樂。

即將歡慶九十大壽的法國作曲家與指揮家布列茲，是戰後作曲家的代表：出生在兩次世界大戰之間，原本循著父母的期待，學習數學和工程，最後還是選擇音樂的創作。他先是在巴黎音樂院拜在梅湘( Olivier Messiaen)的門下，再先後跟隨瓦拉堡( Andrée Vaurabourg)和萊伯維茲( René Leibowitz)。梅湘為他打開通往新而是的門，他因此認識了當時最前衛的作品，如史特拉文斯基(Igor Strawinsky)、巴爾托克(Bela Bartok)等新世紀的聲響；萊柏維茲則傳授他十二音列技巧和第二維也納樂派的音樂；而戰後他加入皮耶‧薛佛( Pierre Schaeffer)的工作室，開啟他的電聲創作經驗。

1952年，布列茲首度前往達姆城夏令營( Internationalen Ferienkurse für Neue Musik in Darmstadt)，在這個創造歐洲現代音樂發展史的夏令營中，布列茲結識了當時歐洲最前端的作曲家們，同時也確立了他自己的創作路線：數字、排序，但不只十二音列技法，而是將數學的邏輯和運算，與音樂的創作技法融合，包括強度、音符數量、曲長、音高等。達姆城夏令營至今仍然是許多作曲家在專業生涯上的重要轉捩點之一，對於布列茲也是，幾年之後，布列茲甚至成為達姆城夏令營的講師之一，然而所謂轉捩點的意義與方向，亦是各人有異。在他1957年9月寫給史托克豪森（Karlheinz Stockhausen）的一封信中寫道：「對於為什麼要組織這個作曲家的活動，難道我們最終所能做的，真的如此微小嗎？在經過今天達姆城一日之後，我成為一個夢想家，並且鄭重地與自己約定，至少我拒絕與我所聽到的（音樂、作品）同屬一個「家族」。」當我們現今回首他自這個達姆城時代以降所走過的軌跡，的確，他不僅自己走出一條與眾不同的路，我們甚至可以說，他以當代聲響藝術為核心，創造了一個輻射型的星球。

布列茲的第一塊基石是”Damaine Musical”系列音樂會。他得到法國知名演員夫妻檔尚。路易斯。巴勞和瑪德蓮。雷諾（Jean-Louis Barrault &Madeleine Renaud )的支持，在兩人所擁有的小型劇院 Théâtre Marigny舉辦音樂會，由布列茲策劃節目內容，分成三個方向：一為幾乎為人遺忘的古老經典作品，如杜非、蒙台威爾第等; 一是少為人知的古典和近代作品如第二維也納樂派、印象樂派等; 另一系列則為同期新生代作曲家，如史托克豪森、貝理歐（Luciano Berio)等，每個樂季演出約四到六場音樂會，從節目內容到指揮音樂家排練演出，都由布列茲帶領，直到1963年起，隨著布列茲的指揮生涯漸趨成熟、來自國際的邀演越來越多，他對Damine Musical的投入才漸漸減少，到了1973年終於交由他的追隨者吉博特。亞米（Gilbert Amy)接棒。

1970年代布列茲的指揮事業如日中天，然而他卻在繁忙的指揮生涯裡，再度為作曲界鋪下兩塊重要的基石，那就是1976年創立的「音樂聲學音響研究中心」（Institute de Recherche et de Coordination Acoustique-Musique, 簡稱IRCAM），以及同年創立的現代樂團Ensemble InterContemporain(簡稱EIC)，布列茲帶領IRCAM直到1992年，這個作曲家與軟體工程師攜手合作的研究中心，至今是全球當代音樂與電腦電子音樂的重鎮; 而EIC雖然只由布列茲擔任指揮三年，但是至今已是當代音樂天團，發掘無數當代音樂大師，對於當代音樂的演繹，更有至高的權威性。

布列茲從作曲家到指揮、從音樂家到行政事務的創發與拓展、從創作者到教育者，無論是哪一個面相，都可以明確看到他以高度的組織能力，實踐自身的美學追求。因此，我認為要理解布列茲在音樂史上的貢獻，應該萬祖歸宗，從他的作品中理解。

他的第一首作品應屬1945年完成的12首鋼琴短曲”Notation”，這套每首只有12小節的作品他是探索音樂語法的實驗之作，短小的篇幅中，蘊藏著極為繁複的訊息，”Notation”的曲名，或可翻譯為「記譜法」，然而在布列茲自己的自述中，可以得知這裡的記譜法並不是指稱閱讀和彈奏用的記譜法，而是將作曲家腦中的聲響想像落實於鍵盤上的語法。布列茲在1978年開始將鋼琴版改寫為管弦樂編制，將聲響的實驗從鋼琴擴大至整個樂團，直到1997年共完成5首的改編。

在Domaine Musical時期，布列茲完成了里程碑作品--給女高音和管弦樂團的”Pli selon pli” （層層疊疊），布列茲1957年寫信給史托克豪森，表達自己在達姆城夏令營的思考，童年他開始著手這首作品的創作，取名取自著名法國詩人馬拉梅(Stéphane Mallarmé)一首形容雨霧之都布魯日情景的詩作，但是全曲五個樂章的內容和歌詞卻以馬拉梅其他五首詩作譜曲。這首作品完成於1968年，是布列茲早期的大編制作品，五首選字馬拉梅不同時期的詩作，有如以音樂呈現詩人的一生，1980年代作曲家開始進行改寫，擴充編制。布列茲在這首作品中仍以各種音色組合的實踐為主軸，史特拉汶斯基聽完演出後的評語為：「好單調，單調得很好。」

布列茲的作品雖然以精密計算著稱，但他有如好奇心永不枯竭的孩童，透過各式各樣的「設計」，傳達他的聲響品味和美學。他在IRCAM時期的的代表作：”Répons” 是給六位獨奏家和現場電子音樂的作品，獨奏家的位置和擴音器以環繞場域的方式交錯置放，讓鉻聲道（包括獨奏樂器）螺旋狀進行和纏繞，而音高素材則建立在「薩和六聲音階 」（Sacher Hexachord)上。薩和指的是瑞士指揮保羅。薩和（Paul Sacher)，大提琴家羅斯托波維奇邀請十二位作曲家為保羅。薩和慶祝七十歲生日，作曲家們即以薩和名字組成的六聲音階譜曲。布列茲共有四首作品建立在薩和六聲音階。

1990年代離開IRCAM之後，布列茲的音樂家生涯主軸放在指揮上，並且大量錄音，演出和錄音的曲目並不限於當代作品，也包括了許多經典古典作品，對照他初期踏上樂壇時的Domaine Musical，有異曲同工之妙，只是編制更大更多樣，但他關照的音樂層面仍然既廣也深。為了歡慶大師九十大壽，新進落成的巴黎愛樂廳以展開布列茲的展覽，全面呈現大師的成就，ERATO更推出布列茲於1966年至1992年於ERATO錄製的全部錄音，14張唱片並行記錄布列茲在指揮和作曲上的成就。其中除了布列茲作品中必聽的Pli selon pli 、Dérive之外，他指揮其他當代大師的作品更是可貴，如庫塔格（G. Kurtag)《特索娃的晚年訊息》這首具備深沈美感與內涵的樂曲，布列茲的詮釋是至今無人可超越的版本。

一如布列茲所言，音樂的世界是個迷宮，我們在他的作品中，也時時感到無法脫離與走出的浩瀚，而正是亙古以來，音樂藝術的迷人所在。

作曲家小檔案

1925年出生於法國

與史托克豪森、諾諾（Luigi Nono)並列現代音樂三大先驅

創立IRCAM與現代樂團Ensemble InterContemporain

西門子大獎、舒曼詩人與音樂家大賞、葛萊美獎等得主

2015 年葛萊美終生成就獎

作曲家的話：

音樂是一個沒有盡頭、也不知從何開始的迷宮，身在其中，永遠可以發掘新的路徑，而永恆即存在這奧祕之中。

[ Art Plus專欄 ]2015/03 Peter Ablinger

Peter Ablinger (1959~)

空曠的草地上豎立著一匹又一匹的白色床單，乍看之下，有如曬衣場的情景，在微風中掀起的床單一角，露出床單裡的祕境，原來這是一個用床單和曬衣繩圍繞而成的迷宮，而迷宮中有著無法預期、不可捉摸的聲響，等著進入迷宮的人用耳朵捕捉。

這是奧地利作曲家彼得。亞伯林格(Peter Ablinger)在德國維特納當代室內樂音樂節(Wittener Tage für Neue Kammermusik)演出的環境聲音裝置作品：《白色床單─給曬衣架、床單與毛巾》。

亞伯林格生於1959年，是個離第二次世界大戰有點距離又不太遠的年代，仍保有探險求新的精神，卻少了戰後第一代藝術家們的陰鬱與沉重，換句話說，更鮮明地追求藝術的純粹性和實驗性、不那麼心心念念「文以載道」，任重而道遠以經不再適用於這個年代的藝術家。

原本學習平面設計的亞伯林格，十八歲時對爵士樂產生興趣，因此進入格拉茲音樂院主修爵士鋼琴，最後拜在奧地利兩位當代作曲大師─紐威爾斯(Gösta Neuwirth)和豪本史托克-拉曼提(Roman Haubenstock-Ramanti)─門下，學習當代音樂的創作。格拉茲音樂院素有自由的前衛風氣，爵士音樂系直到今日仍培育出許多重量級的爵士音樂家；而作曲系和位於首都維也納音樂院的作曲系相較，更是走年輕世代的路線，紐威爾斯和豪本史托克-拉曼提分別帶給亞伯林格來自兩所音樂院不同的學風，更重要的是再兩位大師之間，建立自己的風格。

提到從平面設計、繪畫到音樂的旅程，亞伯林格說一開始只是畫畫和玩音樂，但最後他發現，所有他在藝術上所學習的，都為音樂所承載了，整個學習過程從視覺藝術到聲音藝術，這也是為什麼他最後離開設計學校，專注於音樂創作的初衷。對於創作媒介的轉換，亞伯林格更進一步說明他的音樂創作過程：一開始，當他想讓腦中的音樂靈感具體化時，他會在紙上畫畫，而不是寫音符，有時是幾條線、有時是透過不同的圖像記下不同的音樂方向。但是漸漸的，他遠離圖像，或者說，只剩下表現「聲音」的圖形。

「聲音不只是聲音，它的存在是讓我們放下理智、灌溉靈魂；一如聆聽不僅是聆聽，聆聽是讓人們建立自我的途徑。」亞伯林格對於「聲音」的定義，同時也是自二十世紀以降，投入聲響世界的藝術家們的寫照。在亞伯林格的作品中，可以看到各式各樣的媒材，透過這些媒材所發出的聲音，以及聽者聽到這些聲音時的聲音狀態，都讓亞伯林格的作品獨樹一格。然而，音樂是聲音和時間所結合的藝術，關於時間，亞伯林格曾說，對他而言，當「聲響」產聲時，並非僅僅為「音樂」，而是「片刻」的形成。「時間的流轉和消逝是一個無可避免、幾乎被迫發生的現象，而我所感興趣的，正是這一切，聲音與時間，為我展現了那個片刻。」

亞伯林格自1982年起定居在德國柏林，除了於音樂院任教之外，他於1988年成立了「中間音室內樂團」(Ensemble Zwischentöne)，作為一個實踐聲響藝術的平台，中間音室內樂團世界首演了沃爾夫(Christian Wolff)、魯西爾(Alvin Lucier)、奧利維洛斯(Pauline Oliveros)、鈴木(Akio Suzuki)等人的作品，這些在所謂「學院派」的當代作曲家列傳中看不到的名字，透過亞伯林格帶領到2007年的中間音室內樂團，形成了另一個與學院派平行發展的當代音樂史。中間音室內樂團隨著亞伯林格在歐洲和美國越來越多的講學和邀演，最後交棒給亞伯林格的學生迪耶茲(Bill Dietz)繼續掌舵。

近年亞伯林格和作曲家伯恩哈特‧藍格、克勞斯‧藍格和納德‧馬夏耶奇(Nader Mashayekhi)共同創立了當代音樂平台「維也納柏林時光商店」，自2012年起，亞伯林格被收錄進德國柏林藝術家學院會員，同一年藝術學院的「彼得‧亞伯林格檔案」正式成立，完整收錄他的作品。到目前為止，亞伯林格的作品已經被收錄在30張唱片中，然而有更多的作品，須到作品實踐的現場場域和環境觀賞。

亞伯林格的作品除了器樂演奏作品之外，還有裝置作品系列，大多是受博物館、音樂節等的邀約之作；系列作品最龐大的應屬創作時程長達19年的《白色/發白的》系列，這個系列從1980創作的第一號給鋼琴獨奏，到1999年的第三十六號給耳機，期間的編制包括了第二十九號的〈六把在冬天花園裡的椅子〉，呈現不同場域中擺設的不同形式的椅子、第十九號的〈雙手放在耳後、拿開〉等超越創作媒材、寫作方式、演出形態的作品。透過這些作品，亞伯林格所探索的，遠超過「聲音」一詞，聲音如何「被聽見」、聽者如何「聽見」聲音、而這個過程放在不可阻擋的時間流動中，又是什麼「畫面」? 亞伯林格的作品一如深不可測的迷宮，一但進入，五感並不夠用。

作曲家小檔案：

1959出生於奧地利

1974-76 學習平面設計

1977-79 就讀於奧地利格拉茲音樂院爵士音樂系，主修爵士鋼琴

1979-82 跟隨作曲家紐威爾斯學習、就讀於維也納音樂院跟隨豪本斯托克-拉曼提主修作曲

1982 移居柏林

作曲家語錄:

我的素材不是聲響。
我的素材是「可聽性」。

一如其他以聲響創作的作曲家，寫了一個聲響後，跟著寫一個休止符。

而我則是「可聽性」之後是「不可聽性」。

「不可聽性」可以透過許多方式成立。
透過安靜、也透過噪音。

透過太低的低音、也透過太高的高音。

透過過少的動作、也透過過多的動作。

透過太近的貼近、也透過太遠的相距

透過太短的持續、也透過太長的持續。

透過空無、也透過滿溢。